Le Concert du Nouvel An

Avec Roses du Sud, Johann Strauss II offre l'une de ses plus poétiques évocations du charme viennois. Composée en 1880 à partir de thèmes tirés de son opérette La Reine Indigo, cette valse déploie toute la grâce, l'élégance et la légèreté qui ont fait de Strauss le « roi de la valse ». Derrière cette musique raffinée se cache un compositeur au tempérament chaleureux, mais aussi un travailleur acharné qui orchestrait avec un sens inné du brillant. Roses du Sud évoque un jardin imaginaire où éclatent des couleurs musicales délicates, alternant tendresse, nostalgie et éclats de fête. On raconte qu'à Vienne, cette valse était souvent jouée au petit matin lors des bals les plus prestigieux, comme un adieu lumineux à une nuit de danse. Une invitation à savourer la beauté simple et intemporelle de la valse.

Créée en 2001 pour le film culte Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain, La Valse d'Amélie est devenue l'une des signatures musicales les plus reconnaissables de Yann Tiersen. Inspiré par les sonorités intimistes de l'accordéon, du piano et des instruments atypiques, le compositeur y déploie un univers délicat, presque enfantin, où la poésie se mêle à la mélancolie. Tiersen, souvent décrit comme un artisan sonore, aime détourner des objets du quotidien pour en faire des sources musicales : jouets, vélos, machines mécaniques… Cette valse particulière reflète l'ambiance du film : un Paris rêvé, tendre et lumineux, un monde de petites choses qui deviennent magiques. La Valse d'Amélie incarne ce moment suspendu où le spectateur retombe en enfance. Une œuvre dont la simplicité apparente masque une profonde sensibilité.

Illustration du film « Le fabuleux destin d'Amélie Poulain » réalisé par Jean-Pierre JEUNET (2001)

Friedrich Gulda, pianiste virtuose et compositeur iconoclaste, aimait bousculer les frontières entre les genres. Connu autant pour ses interprétations de Mozart que pour ses improvisations jazz, il surprit le monde musical avec ce concerto pour violoncelle composé en 1980. L'œuvre est un mélange éclatant de styles : fanfare populaire, passages lyriques, rythmes funk, moments de jazz et envolées presque baroques. Gulda s'amusait d'ailleurs à dire qu'il voulait écrire « un concerto dont on ne s'ennuie jamais ». Le violoncelle y devient un conteur malicieux, passant de l'humour à l'émotion en quelques mesures. Anecdote célèbre : lors de la création, certains critiques furent décontenancés par cette liberté musicale, mais le public accueillit avec enthousiasme cette œuvre pleine d'audace. Un concerto jubilatoire, fidèle à l'esprit libre de Gulda.

La Valse, achevée en 1920, est l'un des portraits les plus saisissants que Ravel ait dédié à la valse viennoise. Conçue d'abord comme un hommage à Johann Strauss, l'œuvre prit une tournure plus sombre après la Première Guerre mondiale. Ravel y peint une valse qui naît dans un brouillard mystérieux, se construit peu à peu puis s'emballe jusqu'à la démesure. Derrière cette danse tourbillonnante se profile l'image d'un monde brillant mais instable, comme un bal qui vacille avant de s'effondrer. Ravel, perfectionniste légendaire, travaillait chaque détail d'orchestration avec une précision d'orfèvre. On raconte qu'il pouvait passer des heures à choisir la seule couleur sonore d'un accord. La Valse est ainsi un mélange fascinant de splendeur, de tension et de virtuosité orchestrale.

Composée pour Star Wars : La Menace fantôme (1999), The Flag Parade illustre l'arrivée solennelle des concurrents de la course de modules. John Williams, maître absolu de la musique symphonique hollywoodienne, y déploie un style martial et noble rappelant les grandes cérémonies militaires, mais avec son sens inimitable du thème héroïque. Chaque section de l'orchestre participe à cette fresque sonore brillante et colorée. Williams aime intégrer des influences multiples : du romantisme européen aux fanfares américaines. Anecdote savoureuse : dans la saga Star Wars, Williams réutilise parfois des motifs cachés d'un épisode à l'autre ; certains fans ont repéré dans The Flag Parade des motifs et des rythmes orchestraux évoquant subtilement les heures sombres du futur Empire galactique.

Illustration du film « Star Wars, épisode I : La menace fantôme » réalisé par George LUCAS (1999)

Compositeur espagnol très apprécié des orchestres du monde entier, Óscar Navarro s'est imposé par son écriture expressive et spectaculaire. Son Concerto n°3, comme nombre de ses œuvres, puise dans des influences méditerranéennes et cinématiques, avec des rythmes tantôt fougueux, tantôt majestueux. Navarro aime raconter que son inspiration vient souvent de souvenirs d'enfance, des fêtes populaires valenciennes ou de paysages baignés de lumière. Ce concerto met en valeur la clarinette à travers de grandes lignes lyriques et des moments de virtuosité éclatante, mais il ménage aussi des passages intimes où le dialogue avec l'orchestre devient presque narratif. L'énergie communicative de Navarro, doublée d'un sens aigu de la dramaturgie musicale, fait de ce concerto une expérience vibrante, moderne et profondément humaine.

Composée en 1899, Finlandia est l'un des symboles musicaux les plus puissants de la culture finlandaise. Sibelius l'écrit dans un contexte de censure russe : il utilise alors la musique comme un cri d'espoir et de résistance. La pièce s'ouvre par des accords sombres et menaçants avant de s'élancer vers une lutte rythmique pleine de tension. Puis surgit le célèbre choral final, lumineux et apaisé, devenu presque un hymne national officieux. Sibelius, profondément lié à la nature de son pays, disait que chaque mélodie devait respirer comme un paysage nordique. On raconte qu'il composait souvent en observant les forêts et les lacs depuis sa maison d'Ainola. Finlandia reste un chef-d'œuvre d'intensité émotionnelle et de ferveur patriotique.

Finlande : Lapland's Arctic Wilderness - Thomas Kast

Michael Kamen, compositeur passionné et éclectique, signe en 1991 l'une de ses bandes originales les plus célèbres avec Robin Hood, Prince of Thieves. Sa musique mêle grandeur symphonique, lyrisme hollywoodien et touches médiévales pour évoquer l'héroïsme du légendaire Robin des Bois. Kamen, qui collaborait aussi bien avec des orchestres classiques qu'avec des groupes de rock comme Queen ou Metallica, possédait un sens aigu de la mélodie épique. Le thème principal, ample et généreux, capte immédiatement l'esprit d'aventure. Anecdote amusante : le compositeur raconta un jour avoir écrit certains passages dans l'urgence, juste avant une séance d'enregistrement… mais ce sont devenus les plus aimés du public. Une musique vibrante, pleine de noblesse et d'émotions romantiques.

Illustration du film « Robin Hood, Prince of Thieves » réalisé par Kevin REYNOLDS (1991)